Молодые художники – как вино: улучшаются с годами, становясь более утончёнными и глубокими в своём мастерстве. Но если ты гурман знающий, то понимаешь, что у молодого вина тоже есть ряд преимуществ. Так же дело обстоит и с молодыми авторами.
Самые очевидные плюсы молодости творца - это, пожалуй, доступная цена работ и возможность самих авторов экспериментировать со своим стилем до той поры, пока не выведется узнаваемый почерк. И пока произведения молодых авторов оседают в коллекциях – они созревают пропорционально продвижению карьеры художника, оставившего на полотне свою подпись.
Выходя в начале своего творческого пути на большую арт-сцену, на долгие годы остаются здесь далеко не все. Сегодня, когда арт-сквоты вроде «Парижской коммуны»* канули в лету, сообщество молодых художников совсем не ассоциируется со слоганами вроде “Sex. Drugs. Rock’n’roll”. «Молодое искусство» становится всё более интеллигентным (не стану обобщать, но всё же), однако неизменно остаётся экспериментальным. Оно всегда имеет в себе задатки рефлексии и процессуальности.
По общепринятой практике, молодым художником считается творец, не достигший возрастной отметки 35 лет. Однако чаще всего так называют творца в самом начале его творческого пути. И если ты, как зритель, знаешь толк в прекрасном, то отличить хорошее от поверхностного для тебя не составит труда. Но ведь искусство – дело тонкое, и усложняется всё тем, что критерии, по которым расценивается арт современности, имеют часто субъективный характер.
Выставки с участием молодых творцов проходят с завидной регулярностью то тут, то там: от больших арт-центров и галерей до неизвестных площадок, где организовывают арт-фестивали. Тем не менее, список молодых художников, которые известны широкой общественности, ограничивается десятком фамилий, которые из раза в раз фигурируют в шорт-листах премий и громких арт-проектах. Тем интереснее посещать выставки в проверенных арт-местах, где заявлены молодые авторы. Здесь показывают, и тем самым открывают новые имена, ещё неизвестные публике.
До 30 августа есть время, чтобы посетить выставку «Границы материальности. Материализация смысла», которая была представлена в Voloshyn Gallery в рамках SUMMER SHOW. PART II. Среди участников значатся 12 молодых авторов: Виктор Арефьев, Юрий Сивирин, Виталий Маковий, C. Rabinovich, Гнат Соломко, Kinder Album, Pivnyky Time, Сергей Игнатенко, Иван Денисенко, Андрей Сидоренко, Фёдр Александрович, Михаил Черников. В этом проекте художники размышляют про «границы смысла и про то, может ли произведение искусства существовать за границами материальной оболочки».
Куратор выставки Алексей Тимофеев задаётся риторическими вопросами: «Обязательно ли работа художника должна существовать в реальном мире или она может быть виртуальной? Возможно, этого достаточно, чтобы быть полноценным произведением?». А работы авторов-участников, выполненные в разных техниках – от видео и инсталляций, до скульптуры и живописи – дают ответы на эти вопросы, и в одночасье порождают собой всё новые. Так рождается круговорот смыслов и интерпретаций, которые зрителю предстоит познать.
ИЗ ПЕРВЫХ УСТ
О работах, которые представлены на выставке «Границы материальности. Материализация смысла», рассказывают художники, которые их создали.
 | ЮРИЙ СИВИРИН. КАРТИНЫ ИЗ СЕРИИ «КИТОБОИ»
«Если Вы спросите меня, о чём эти работы, я отвечу – ни о чём».
Сюрреалистическая работа Юрия Сивирина из серии «Китобои» выражает параллельную тему выставки «Границы материальности. Материализация смысла». А именно – тему травмирования и боли. Картина изображает фигуру юноши, по движению схожую с классической композицией «Святой Себастьян, пронизанный стрелами», но вместо стрел мы почему-то видим ложки. В Древней Греции причиной боли считали стрелы, выпущенные богом в человека, который провинился. Аристотель подчёркивал, что боль не есть определённым чувством, а отражает одну из известных страстей души, которая возникает в ответ на действие разных раздражителей. Предметы искусства при транспортировке нередко травмируются, так же как и идеи в материальной форме. |
 | АНДРЕЙ СИДОРЕНКО. INFERNO
«Експеримент Стенлі Мілгрема несподівано показав приховану сторону суспільства. А саме – притаманну більшості людей покору авторитетам та обставинам. Достатньо комусь одягти халат або спецодяг – як перед нами з'являється типовий медпрацівник, наглядач або офіцер. Професійний одяг – ця соціальна упаковка спричиняє не тільки зовнішні, але психологічні метаморфози. Особливо, якщо він асоціюється із особливими привілеями для тих, хто його носить. Це може перетворитись просто на рольову гру, а може визначити і подальше життя. Адже захопившись роллю легко стати необережним і перевищити свої уявні повноваження». |
 | ВИТАЛИЙ МАКОВИЙ. РОЖДЕНИЕ СМЫСЛА
«Я стремился произвести эффект неожиданности диссонансом материалов, ведь снаружи мой объект "Рождение смысла" - неподвижный, холодный и грубый бетон, а внутри него, оказывается, кипит процесс. Зритель замечает видеоряд не сразу, только когда подойдет ближе и заглянет внутрь. Наше тело имеет границы, а воображение - нет, всегда хочется заглянуть за рамки «бетона». |
 | KINDER ALBUM. БЕЗ НАЗВАНИЯ
«Мне понравилась идея куратора проекта «Границы материальности. Материализация смысла» Алексея Тимофеева сделать выставку, посвященную коробкам, упакованным идеям, весомости произведения, тяжести или хрупкости искусства. Между тем, проникаясь карго-эстетикой, я задалась вопросом о том, почему я не видела ни одной женщины-грузчицы, почему в эпоху расцвета феминистических идей женщины до сих пор не пошли носить тяжести наравне с мужчинами? Тем более, что часто пакеты из супермаркета весят не меньше самой женщины. Моя работа представляет собой женщину, которая пытается справиться со всем в одиночку, и в итоге падает, придавленная тяжестью взваленной на себя ноши». |
* Парижская коммуна – арт-сквот на улице Парижской коммуны, который существовал в Киеве с 1990 по 1994 гг. Сквот стал местом зарождения «современного искусства». Более детально о выставке, посвящённой сквоту, читайте здесь.
